La música es una parte importante de la cultura mundial, sin ella nuestro mundo sería mucho más pobre. La cultura musical es un medio de formación de la personalidad, educa la percepción estética del mundo en una persona, ayuda a conocer el mundo a través de las emociones y las asociaciones con los sonidos. Se cree que la música desarrolla la audición y el pensamiento abstracto. La comprensión de la armonía del sonido es tan buena para la música como las matemáticas. Te contaremos sobre la formación y el desarrollo de la cultura musical y por qué la gente necesita este arte.
El concepto
La música juega un papel especial en la vida humana, desde la antigüedad, los sonidos han fascinado a las personas, las han sumido en el trance, han ayudado a expresar emociones y a desarrollar la imaginación. Las personas sabias llaman a la música un espejo del alma; es una forma de cognición emocional del mundo. Por lo tanto, la cultura musical comienza a formarse en los albores del surgimiento de la humanidad. Ella acompaña a nuestra civilización desde el principio. Hoy, se entiende que el término "cultura musical" significa la totalidad de los valores musicales, el sistema de su funcionamiento en la sociedad y las formas de su reproducción.
En el habla, este término se usa junto con sinónimos como música o arte musical. Para un individuo, la cultura musical es una parte integral de la educación estética general. Forma el gusto de una persona, su cultura interior individual. La cognición de esta forma de arte tiene un efecto transformador en la personalidad de una persona. Por lo tanto, es tan importante dominar la música desde la infancia, aprender a comprenderla y percibirla.
Los teóricos creen que la cultura musical es un todo complejo complejo, que incluye la capacidad de navegar por los estilos, géneros y direcciones de esta forma de arte, el conocimiento de la teoría y la estética de la música, el gusto, la capacidad de respuesta emocional a las melodías y la capacidad de extraer contenido semántico del sonido. También en este complejo puede incluir habilidades de interpretación y escritura. El famoso filósofo y teórico del arte M.S. Kagan creía que la cultura musical se puede distinguir por una dimensión individual, es decir, el nivel de una persona individual, su conocimiento, habilidades en el campo de este arte, así como el nivel grupal, que está vinculado a ciertas subculturas y segmentos de edad de la sociedad. En este último caso, el científico habla sobre la educación musical y el desarrollo de los niños.
Características de la música
Un fenómeno tan complejo e importante del arte, como la música, es extremadamente necesario tanto para una persona individual como para la sociedad en su conjunto. Este arte realiza una serie de funciones sociales y psicológicas:
1. Formativo. La música está involucrada en el desarrollo de la personalidad humana. La formación de la cultura musical de un individuo afecta su desarrollo, gusto y socialización.
2. Cognitivo. A través de los sonidos, las personas transmiten sensaciones, imágenes, emociones. La música es una especie de reflejo del mundo.
3. Educativo. Como cualquier arte, la música puede dar forma a ciertas cualidades puramente humanas en las personas. No en vano hay un punto de vista de que la capacidad de escuchar y crear música distingue a una persona de un animal.
4. Movilización y proyecto. La música puede estimular a una persona a la acción. No en vano hay melodías de marcha, canciones laborales que mejoran las actividades de las personas y las decoran.
5. Estética Aún así, la función más importante del arte es la capacidad de darle placer a una persona. La música da emociones, llena la vida de las personas con contenido espiritual y trae pura alegría.
La estructura de la cultura musical.
Como fenómeno social y parte del arte, la música es una formación compleja. En un sentido amplio, en su estructura hay:
1. Valores musicales producidos y difundidos en la sociedad. Esta es la base de la cultura musical, que garantiza la continuidad de las épocas históricas. Los valores nos permiten comprender la esencia del mundo y la sociedad; son espirituales y materiales y se realizan en forma de imágenes musicales.
2. Diferentes tipos de actividades para la producción, almacenamiento, difusión, reproducción, percepción de valores musicales y obras.
3. Instituciones sociales e instituciones involucradas en diversos tipos de actividad musical.
4. Personas individuales involucradas en la creación, distribución, interpretación de música.
En una comprensión más limitada del compositor D. Kabalevsky, cultura musical es sinónimo del término "alfabetización musical". Según el músico, se manifiesta en la capacidad de percibir imágenes musicales, decodificar sus contenidos y distinguir las buenas melodías de las malas.
En otra interpretación, el fenómeno en estudio se entiende como una cierta propiedad general de una persona, expresada en la educación musical y el desarrollo musical. Una persona debe poseer una cierta erudición, conocer un cierto conjunto de obras clásicas que forman su gusto y preferencias estéticas.
Ancient World Music
La historia de la cultura musical comienza en la antigüedad. Desafortunadamente, desde las primeras civilizaciones no hay evidencia de su música. Aunque es obvio que el acompañamiento musical de los rituales y rituales existió desde las primeras etapas de la existencia de la sociedad humana. Los científicos afirman que la música ha existido durante al menos 50 mil años. La evidencia documental de la existencia de este arte aparece desde la época del antiguo Egipto. Ya en ese momento había un extenso sistema de profesiones e instrumentos musicales. Las melodías y los ritmos acompañaban muchos tipos de actividad humana. En este momento, apareció una forma escrita de grabación de música, que nos permite juzgar su sonido. De épocas anteriores, solo quedaron imágenes y restos de instrumentos musicales. En el antiguo Egipto, había música sagrada que acompañaba al culto, así como acompañaba a las personas en el trabajo y el descanso. Durante este período, aparece música por primera vez con fines estéticos.
En la cultura de la antigua Grecia, la música alcanza su mayor desarrollo en este período histórico. Aparecen varios géneros, se mejoran los instrumentos, aunque predomina el arte vocal en este momento, se crean tratados filosóficos que conceptualizan la esencia y el propósito de la música. En Grecia, un teatro musical aparece por primera vez como un tipo especial de arte sintético. Los griegos entendieron bien el poder de la influencia de la música, su función educativa, por lo tanto, todos los ciudadanos libres del país estaban involucrados en este arte.
Musica de la Edad Media
El establecimiento del cristianismo en Europa influyó significativamente en las características de la cultura musical. Aparece una gran capa de obras que sirve al instituto de religión. Esta herencia se llama música sagrada. Casi todas las catedrales católicas tienen órganos, hay un coro en cada templo, todo lo cual hace que la música forme parte del servicio diario de Dios. Pero a diferencia de la música sagrada, se forma una cultura de música folklórica, en la cual es el principio del carnaval sobre el que escribió M. Bakhtin. A finales de la Edad Media, la música profesional secular se formó, fue creada y distribuida por trovadores. La aristocracia y los caballeros se convierten en clientes y consumidores de música, mientras que ni la iglesia ni el arte popular les convienen. Entonces, hay música que deleita la audición y entretiene a las personas.
Musica Renacentista
Con la superación de la influencia de la iglesia en todos los aspectos de la vida, conducen al comienzo de una nueva era. Los ideales de este período son ejemplos antiguos y, por lo tanto, la era se llama Renacimiento. En este momento, la historia de la cultura musical comienza a desarrollarse principalmente en la dirección secular. Durante el Renacimiento, aparecieron nuevos géneros como madrigal, polifonía coral, chanson y coral. Durante este período, se formaron culturas musicales nacionales. Los investigadores hablan sobre el surgimiento de la música italiana, germánica, francesa e incluso holandesa. El sistema de herramientas en este período histórico también está experimentando cambios. Si antes el órgano era el principal, ahora las cuerdas están delante de él, aparecen varios tipos de violines. El género de los teclados también se enriqueció significativamente con nuevos instrumentos: clavicordios, clavicordio y algo que comenzó a ganar el amor de los compositores y artistas.
Musica barroca
Durante este período, la música adquiere un sonido filosófico, se convierte en una forma especial de metafísica y la melodía adquiere un significado especial. Esta vez de grandes compositores, durante este período A. Vivaldi, I. Bach, G. Handel, T. Albinoni creado. La época barroca estuvo marcada por la aparición de arte como la ópera, también en este momento se crearon por primera vez oratorios, cantatas, toccates, fugas, sonatas y suites. Este es un momento de descubrimiento, la complicación de las formas musicales. Sin embargo, en el mismo período hay una división creciente del arte en alto y bajo. La cultura de la música popular está separada y no está permitida en lo que se llamará música clásica en la próxima era.
Música del clasicismo
El barroco exuberante y excesivo da paso al clasicismo estricto y simple. Durante este período, el arte de la cultura musical finalmente se divide en géneros altos y bajos, los cánones se establecen para los géneros principales. La música clásica se ha convertido en el arte de los salones, los aristócratas, no solo da placer estético, sino que también entretiene al público. Esta música tiene su propia nueva capital: Viena. Este período estuvo marcado por la aparición de genios como Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn. En la era del clasicismo, finalmente se forma el sistema de género de la música clásica, formas como un concierto, aparece una sinfonía y se vuelve a formar una sonata.
A finales del siglo XVIII, se formó un estilo de romanticismo en la música clásica. Está representado por compositores como F. Schubert, N. Paganini, más tarde el romanticismo se enriqueció con los nombres de F. Chopin, F. Mendelssohn, F. Liszt, G. Mahler, R. Strauss. En música, las letras, la melodía y el ritmo comienzan a ser apreciados. Durante este período, se formaron escuelas nacionales de compositores.
El final del siglo XIX estuvo marcado por sentimientos anticlásicos en el arte. Aparecen el impresionismo, el expresionismo, el neoclasicismo, la dodecafonia. El mundo está al borde de una nueva era, y esto se refleja en el arte.
Música del siglo XX
El nuevo siglo comienza con estados de ánimo de protesta, la música también está experimentando cambios revolucionarios. Después de la Primera Guerra Mundial, los compositores buscan inspiración en el pasado, pero quieren darle un nuevo sonido a las formas antiguas. El momento de los experimentos comienza, la música se vuelve muy diversa. El arte clásico está asociado con grandes compositores como Stravinsky, Shostakovich, Bernstein, Glass, Rachmaninov. Aparecen los conceptos de atonalidad y aleatorics, que cambian por completo la idea de armonía y melodía. Durante este período, los procesos democráticos en la cultura musical están creciendo. Hay pop y capta la atención del público en general, luego hay un movimiento musical de protesta como el rock. Así, se forma una cultura musical moderna, caracterizada por una multitud de estilos y direcciones, una mezcla de géneros.
El estado actual de la cultura musical.
A fines del siglo XX, principios del siglo XXI, la música se encuentra en una etapa de comercialización, se está convirtiendo en un producto ampliamente distribuido y esto reduce en gran medida su calidad. Durante este período, las capacidades de los instrumentos se expanden significativamente, la música electrónica y los instrumentos digitales aparecen con recursos expresivos sin precedentes. La música académica está dominada por el eclecticismo y el poliestlismo. La cultura musical moderna es una enorme colcha de retazos, en la que encuentran su lugar y vanguardia, y el rock, el jazz, las tendencias neoclásicas y el arte experimental.
Historia de la musica folklórica rusa
Los orígenes de la música nacional rusa deben buscarse en los tiempos de la antigua Rusia. Uno puede juzgar las tendencias de ese período solo por información fragmentaria de fuentes escritas. En aquellos días, la música ritual y cotidiana estaba muy extendida. Desde la antigüedad, había músicos profesionales bajo el zar, pero la importancia de las obras folclóricas fue muy grande. El pueblo ruso amaba y podía cantar, el género de las canciones domésticas era el más popular. Con el advenimiento del cristianismo, la cultura musical rusa se enriqueció con el arte espiritual. El canto coral de la iglesia aparece como un nuevo género vocal. Sin embargo, durante muchos siglos, el canto unánime tradicional dominó en Rusia. Solo en el siglo XVII tomó forma la tradición nacional de la polifonía. Desde entonces, la música europea ha llegado a Rusia, con sus géneros e instrumentos, y comienza la diferenciación en música folklórica y académica.
Sin embargo, la música popular en Rusia nunca renunció a sus posiciones, se convirtió en una fuente de inspiración para los compositores rusos y fue muy popular entre la gente común y la aristocracia. Puedes ver que muchos compositores clásicos recurrieron al bagaje musical popular. Entonces, M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Dargomyzhsky, I. Tchaikovsky utilizaron ampliamente motivos folclóricos en sus obras. En el período soviético, la música folclórica era muy solicitada a nivel estatal. Después del colapso de la URSS, la música folklórica dejó de servir a la ideología, pero no desapareció, sino que tomó su propio segmento en la cultura musical general del país.
Musica clasica rusa
Debido al hecho de que la ortodoxia ha prohibido durante mucho tiempo el desarrollo de la música secular, el arte académico se está desarrollando en Rusia bastante tarde. A partir de Iván el Terrible, los músicos europeos vivieron en la corte real, pero aún no había compositores. Solo en el siglo XVIII comenzó a tomar forma la escuela de compositores rusos. Sin embargo, durante mucho tiempo, los músicos fueron influenciados por el arte europeo. Una nueva era de la cultura musical en Rusia comienza con Mikhail Glinka, considerado el primer compositor ruso. Fue él quien sentó las bases de la música rusa, que extrajo temas y medios expresivos del arte popular. Esto se ha convertido en una característica específica nacional de la música rusa. Como en todas las esferas de la vida, la música desarrolló la dirección de occidentales y eslavófilos. El primero incluía a N. Rubinstein, A. Glazunov, el segundo, compositores de The Mighty Handful. Sin embargo, al final, la idea nacional ganó, y todos los compositores rusos en diversos grados, pero tienen motivos folclóricos.
El pico del período prerrevolucionario de la música rusa se considera obra de P.I. Tchaikovsky. A principios del siglo XX, los cambios revolucionarios se reflejaron en la cultura musical. Los compositores experimentan con formas y medios expresivos.
La tercera ola de la música académica rusa se asocia con los nombres de I. Stravinsky, D. Shostakovich, S. Prokofiev, A. Scriabin. El período soviético fue más un tiempo para artistas, no para compositores. Aunque los creadores destacados aparecieron en este momento: A. Schnittke, S. Gubaidulina. Después del colapso de la Unión Soviética, la música académica en Rusia entró casi por completo en ejecución.
Musica popular
Sin embargo, la cultura musical no consiste solo en música folklórica y académica. En el siglo XX, la música popular ocupa un lugar completo en el arte, en particular el jazz, el rock and roll y la música pop. Tradicionalmente, estas instrucciones se consideran "bajas" en comparación con la música clásica. La música popular aparece con la formación de la cultura popular, y está diseñada para satisfacer las necesidades estéticas de las masas. El arte pop de hoy está estrechamente entrelazado con el concepto de espectáculo, esto no es exactamente arte, sino industria. Este tipo de producción musical no cumple la función educativa y formativa inherente al arte; esto es precisamente lo que les da a los teóricos la oportunidad de ignorar la música pop al considerar la historia de la cultura musical.
