Delone Robert es conocido mundialmente como el fundador de un nuevo estilo artístico. Sin una educación artística, pudo convertirse en un innovador, confiando todo al color. Su fiel compañero y coautor fue su esposa, quien emigró durante la revolución de Odessa.
A lo largo de su vida, buscó alcanzar la perfección solo con la ayuda del color, confiándole todas las funciones. Logró lograr esto, pero la enfermedad y la guerra le impidieron desarrollar su trabajo.
Breve biografía
Delone Robert nació el 12 de abril de 1885 en París. Debido al divorcio temprano de sus padres, su tío se comprometió a criar al niño. El joven no pasó por una formación especial en arte. Sin embargo, bajo la influencia de la obra de Gauguin y Cezanne, a la edad de veinte años, se encontró en la pintura.
Durante la guerra de 1914-1918 Se mudó a España y Portugal. Regresó a su ciudad natal solo en 1921. Estuvo involucrado en obras monumentales para la Exposición Mundial de 1937, celebrada en la capital francesa.
Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, el artista se fue a Auvernia, pero una enfermedad grave ya estaba progresando. Robert murió el 25 de octubre de 1941, a la edad de cincuenta y seis. La causa de la muerte fue el cáncer.
Vida familiar
A los veintitrés años, Delone Robert regresó del servicio militar y conoció a Sonya Turk (una inmigrante de Odessa). Se casaron dos años después, en 1910. Un año después, nació su hijo Charles.
La esposa se convirtió en una artista de ideas afines, además, coautora de obras de diseño y arte aplicado. Por ejemplo, trabajaron juntos en una obra maestra para la mencionada exposición de 1937.
Los cónyuges sentaron las bases de su propio concepto artístico. Fue radicalmente diferente del que se ha desarrollado desde el Renacimiento.
Objetivo principal
Delone Robert creía que su tarea principal en la pintura era representar el caos de las manchas de color. En repetidas ocasiones ha dicho que le encanta el color, en contraste con la masa general de personas que prefieren la luz. Debido al amor a la luz, nuestros antepasados inventaron el fuego, y el maestro se opuso y lo describió en cada una de sus composiciones.
Forma creativa
Al comienzo de su carrera en la pintura, Robert Delaunay se inspiró en el impresionismo. Le gustaba el trabajo de Gauguin (período bretón). Desde 1906, se sintió atraído por el postimpresionismo. Pero las creaciones de Cezanne tuvieron una influencia más significativa.
El artista, a su manera, resolvió el problema del desajuste entre volumen y color. Por lo tanto, su cubismo era original. Esto se expresó en pinturas de 1906, en las que los objetos estaban enmarcados por un halo luminoso.
Según el artista, un patrón lineal conduce a un error. Lo encontró entre muchos cubistas famosos. Al darse cuenta de cómo romper las líneas, buscó por completo alejarse de ellas. Para hacer esto, regresó a la mancha "separada" del postimpresionismo. Esto hizo posible distinguir formas sin usar contornos.
Para 1912, el maestro cambió a la técnica del color y se decidió por ella. Ella ayudó al artista a lograr lo que quería cuando las formas en los lienzos se crearon correlacionando planos pintados de manera diferente. El espacio se obtiene utilizando inconsistencias tonales.
Los principales períodos de creatividad.
Constructivo
El artista Delaunay Robert creía que el color es valioso por derecho propio, por lo que con su ayuda reemplazó la mayoría de los elementos, como una imagen en perspectiva y un volumen con claroscuro. El período comenzó en 1912. Se esforzó por asegurarse de que la forma, la composición y la trama se transmitieran exclusivamente en color.
El maestro descubrió la calidad del color, que se conoce como potencia dinámica. Se dio cuenta de que los colores ubicados cerca pueden provocar una especie de vibración. Esto permitió al creador simular el movimiento de la composición.
Un ejemplo de este período son las pinturas del conjunto "Formas redondas".
Ibérico
Delone Robert, cuyo trabajo está en cuestión, durante las hostilidades de 1914-1917. Vivió en Portugal, España. Aquí comenzó a aplicar una nueva técnica, que representa el cuerpo humano y varios objetos.
El artista pudo profundizar el concepto emergente de "disonancia" en las artes visuales. En su interpretación, era una yuxtaposición de color con vibraciones rápidas. En los años veinte del siglo pasado, perfeccionó su propio lenguaje artístico.
Un ejemplo es la pintura "Bodegón portugués".
Segundo resumen
El artista volvió a los problemas que trató de frenar en el conjunto "Formas redondas" en 1930. Delaunay creó otras obras sobre el mismo tema. Resultó ser más dinámico y generalmente más perfecto desde un punto de vista técnico.
Podría encontrar la verdadera solución en la serie "Alegría de la vida". En estas pinturas, el artista recurrió a la tecnología, con la ayuda de la cual pudo distinguir fragmentos y centrarse solo en la composición.
Ejemplos de trabajos de este período incluyen "Ritmos", "Ritmos sin fin".
Periodo monumental
Robert Delaunay (la biografía está indisolublemente unida a Sonya Turk) vio en su pintura un personaje monumental. Explicó a sus camaradas y seguidores que al hacer la transición en el trabajo de una creación a la segunda, y luego a la siguiente, puede obtener un conjunto. Dicha pintura, en su opinión, no destruye la arquitectura, sino que hace que los colores jueguen en la superficie.
En su trabajo con Relief Rhythms, el artista francés usó e incluso inventó materiales que serían resistentes a los efectos del entorno externo.
En 1937, los organizadores de la exposición de París propusieron ocuparse del diseño de dos edificios. Entonces, Delaunay tuvo la oportunidad de combinar la arquitectura con sus obras. Creó enormes paneles en relieve.
En un estilo monumental similar fueron las últimas creaciones, como "Ritmo circular", "Tres ritmos". Se convirtieron en una especie de testamento espiritual del autor. Las búsquedas creativas posteriores de Delaunay interrumpieron la enfermedad y la muerte posterior.
Serie de pinturas
El maestro se negó en su trabajo por los medios habituales, por una forma de pensar estándar. Decidió confiar todo para colorear. Las teorías científicas actuales han confirmado la búsqueda creativa del maestro. Excepcionalmente en color, logró mostrar una nueva percepción del espacio, el dinamismo del material.
Siendo parisino, el artista no podía ignorar el principal edificio arquitectónico de nuestro tiempo. Por lo tanto, representó en lienzos el símbolo de su ciudad natal, Robert Delaunay. La Torre Eiffel es una serie de pinturas que pintó desde 1909. La luz fluye en ellos desde todas partes, como resultado de lo cual la imagen se desmorona. Cada fragmento está sujeto a su propia perspectiva.
En 1912 creó el conjunto "Windows", en el que se representa el espacio utilizando contrastes de color. Crearon profundidad sin la necesidad de claroscuro.
En 1914 pintó la pintura "En honor de Bleriot" del ciclo "Formas redondas". En él, la trama es de importancia secundaria. En la creación, el movimiento se transmite sucesivamente utilizando alternancias en forma de disco. Regresará a esta serie en 1930, creando un trabajo más avanzado y dinámico.
En 1920, apareció su creación "Desnudo con un libro", en la que el artista aplicó una nueva técnica para transmitir el cuerpo humano.
Robert encontrará la verdadera solución a sus actividades creativas en la serie de los años treinta, "La alegría de la vida".
